现在，不少人走进博物馆，总感到展陈方式呆板，偌大的博物馆，藏品虽然众多，却处处都是“面无表情”的表达。显然，在互联网与多媒体时代下，单一展示方式已经无法满足公众的需求。在这方面，许多先进的博物馆为了吸引观众尤其是青少年，将布展设计得生动活泼，如营造开放空间，开设数字博物馆，推动VR游览，运用动漫、3D加强互动性、趣味性，观众在参观中不仅增长了知识，还滋养了心灵。

博物馆建设在不断改进，但展品的说明还是很简单，可观众来到博物馆，是想了解文物所蕴含的知识，听到文物背后的故事。如果他们参观时读读标签就离开，就仅仅是“到此一游”。为此，博物馆要加强讲解员队伍建设，可以广泛发展志愿者，为志愿者提供专业知识培训，构建训练有素的志愿者团体，让他们活跃在博物馆里。博物馆志愿讲解员不仅能拉近博物馆展品和观众的距离，而且因为他们来自于社会各层面，具有宣传、推介博物馆的便利，会吸引更多的人走进博物馆，这样才能实现传播文化，服务大众的目的。

在物质渐渐富足后，人们对精神文化的追求水涨船高，博物馆仅仅“免费开放”显然不够，还需更深层次地进入国民生活，增进“亲密对话”。比如南京博物院打开神秘的文物库房，让公众了解文物保管知识；安徽、吉林等地的博物馆则向聋哑和其他残疾人士敞开大门，为他们提供特殊服务；故宫博物院更是开设专题讲座，讲述“故宫里的文物医院”。博物馆开展多种多样的文化活动，让公众与博物馆近距离接触，各种馆藏因此也呈现出更丰富的价值。

一直以来，博物馆就是通过对藏品的收集、研究，生成陈列展览，并向大众开放，确有“守株待兔”的姿态，难怪参观者寥寥。今天，博物馆应主动与现代传媒建立关系，逐步形成合作，积极开展一系列宣传活动。开办官方微信公众号，设立网上虚拟博物馆，这些媒介宣传吸引民众参与到博物馆活动中，拓展了博物馆的教育传播功能。国家博物馆的官方微博每天发送馆藏文物图片，同时附加生动的文字说明。一位博友留言：“如果博物馆的说明都像国博微博这样有趣生动，我愿意天天去博物馆。”

博物馆作为公共文化服务体系的重要组成部分，应当充分发挥自身优势，增强为大众提供优质服务的意识和社会责任感，以多样方式激发大众的参与意识，让博物馆融入大众生活。

博物馆的文化产品，是指以博物馆资源为依托，通过生产、流通、交换、消费等环节来实现价值的各类文化产品。它既包括博物馆的展览，把独立文物或艺术品连接起来，组成一个具有思想性的文化产品，也包括以商品形式出现的博物馆产品，如博物馆指南、图书、图片等。

被称为“最后一个展厅”的博物馆商店，其中的“展品”——文化创意产品的精彩程度，也影响着观众了解博物馆文化的程度。博物馆的文创产品是博物馆文化的呈现方式之一，它不同于一般的商品，除了要具备一般产品的使用价值、经济价值外，还要具备收藏价值及一定的文化附加价值。每件文创产品都应做到为大众带来一定的历史文化知识，这才是博物馆推出文创产品的真正意义。

杨柳青木版年画博物馆在文创产品开发过程中，尝试将喜庆生动的年画嫁接于新的载体上，赋予了杨柳青木版年画新的内涵，使这一古老的民族艺术瑰宝散发出特有的光芒。杨柳青木版年画剪纸册，用剪纸的形式将杨柳青木版年画还原出来，一个载体承托了两种非物质文化遗产，设计堪称巧妙。在该博物馆商店，观众可以把“年画瓷瓶”“年画内画壶”“年画折扇”等具有收藏和使用双重价值的商品带回家。而一系列价格亲民、与生活息息相关的物品，例如以木版年画为主题的扑克牌、丝巾、风筝、钱包、明信片、牙签盒等，也颇受大家欢迎。

在博物馆文创产品的设计理念上，有专家指出，产品设计一定要围绕博物馆主题文化，能够为博物馆主题文化展览起到促进作用。大众在参观完整个博物馆后，来到售卖区，购买能够与其产生共鸣的文创产品，这是将博物馆的文化带出了博物馆，将文化带回家，带到社会，使得博物馆主题文化宣传的广度和深度得以无限的延伸。而且要注意文化创意产品是对文化的一种传承，但传承不等同于复制，单纯的复制已经不能满足大众审美等各方面的需求。当今社会人类发展的源泉是无限的想象力，是创意。因此，博物馆的文创产品要将中华文明的精华元素传承下来，文化是创意设计的基础和核心。一款好的博物馆创意产品设计，要有温度，有情感，赋予产品文化精神的内涵。同时，还要结合现代人的审美追求，最大可能地接轨现代人的生活方式，这样才能实现博物馆文创产品的真正价值。

 （取材于胡春萌、徐雪霏的相关文章）

真正现代意义的博物馆，在我国仅有百余年的历史。博物馆在各个历史时期都毅然选择了先进、积极的文化方向。博物馆在保藏中华文明物证，弘扬中华传统文化，启迪各族民众智慧，培育地域文化认同，构建世代爱国情怀等方面，发挥了巨大作用。

博物馆拥有大量珍贵的文化资源，是别的文化机构难以提供的特殊的知识源泉，人们在博物馆中获得文化的满足，精神的愉悦。同时，博物馆所积累起来的丰富的经验性资源，使其能在区域性、全球化的世界里发挥独特的社会作用。随着科技革命的迅猛发展和全球化浪潮的涌起，生产方式和社会结构发生了变革，博物馆工作的性质和特征也不断发生新的变化。现代意义的博物馆不再仅仅是保护物质及非物质文化遗产的场所，还应该是一个底蕴深厚的社会文化机构，担负着文化传承的社会责任。今天，博物馆文化表现出的对社会责任的关注，引领着社会民众的人文追求，是文明进步的标志。

博物馆作为公益性社会文化服务机构，其使命就是为社会及其发展服务，不断满足广大民众日益增长的精神文化需要，促进人的全面发展。这也是公共文化机构的本质特征，是实现公民文化权利和文化福利的重要内容。事实上，我国的博物馆有联系社会、融入社会、服务大众的传统。例如当年东北博物馆自建立之初，就筹办了“伟大祖国历代文物展览”、“生产工作演进史”等陈列展览，并于1954年起组织流动展览小组，赴长春、大连、抚顺等25个城市和地区进行巡回展出，在全国首创了流动展览这一服务大众的展览形式，受到博物馆界的重视和社会民众的欢迎。

（取材于单霁翔的相关文章）

所谓文学，就是以言达意的一种美术。言所以达意，然而意决不是完全可以言达的。因为言是固定的，有迹象的；意是瞬息万变，是缥缈无踪的。言是散碎的，意是混整的；言是有限的，意是无限的，以言达意，好像用断续的虚线画实物，只能得其近似。文字语言固然不能完全传达情绪意旨，假使能够，也并非文学所应希求的。一切美术作品都是这样，尽量表现，非唯不能，而且不必。

文学作品也是同样。譬如《论语》“子在川上曰：‘者如斯夫，不舍昼夜。’”几句话，绝没完全描写出孔子说 这番话时候的心境，而“如斯夫”三字更笼统，没有把当时的流水形容尽致。如果说详细一点儿，孔子也许这样说：“河水滚滚地流去，日夜都是这样，没有一刻停止。世界上一切事物不都像这流水时常变化不尽吗？过去的事物不就永远过去绝不回头吗？我看见这流水心中好不惨伤呀！……”但是纵使这样说去，还没有尽意。而比较起来，“逝者如斯夫，不舍昼夜”九个字，比这段长而臭的演义就值得玩味多了！誓如陶渊明的《归园田居》： “方宅十余亩，草屋八九间。榆柳荫后檐，桃李罗堂前。暧暧远人村，依依墟里烟。狗吠深巷中，鸡鸣桑树颠。”四十字把乡村风景写得多么真切！然而仔细观察起来，乡村景物还有多少为陶渊明所未提及。从此可知文学上我们并不以尽量表现为难能可贵。

在音乐里面，我们也有这种感想。凡是唱歌奏乐，音调由宏壮急促而变到低微以至于无声的时候，我们精神上就有一种沉默渊穆和平愉快的景象。白香山在《琵琶行》里形容琵琶声音暂时停顿的情况说：“冰泉冷涩弦凝绝，凝绝不通声暂歇。别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声。”这就是形容音乐上无言之美的滋味。著名英国诗人济慈在《希腊花瓶歌》也说，“听得见的声调固然幽美，听不见的声调尤其幽美”，也是说同样道理。

所谓无言，不一定指不说话，是注重在含蓄不露。雕刻以静体传神，有些是流露的，有些是含蓄的。这种分别在眼睛上尤其容易看见。中国有一句谚语说：“金刚怒目，不如菩萨低眉。”所谓怒目，便是流露；所谓低眉，便是含蓄。凡看低头闭目的神像，所生的印象往往特别深刻。最有趣的就是西洋爱神的雕刻，他们男女都是瞎了眼睛。这固然根据古希腊的神话，然而实在含美术的道理，因为爱情通常都在眉目间流露，而流露爱情的眉目是最难比拟的。所以索性雕成盲目，可以耐人寻思。当初雕刻家原不必有意为此，但这些也许是人类不用意识而自然碰的巧。

以上是从各种艺术中信手拈来的几个实例。把这些个别的实例归纳在一起，我们可以得一个公例，就是：拿美术来表现思想和情感，与其尽量流露，不如稍有含蓄；与其吐肚子把一切都说出来，不如留一大部分让欣赏者自己去领会。因为在欣赏者的头脑里所产生的印象和美感，有含蓄比较尽量流露的还要深刻。换句话说，说出来的越少，留着不说的越多，所引起的美感就越大越深越真切。流行语中有一句说：“言有尽而意无穷。”无穷之意达之以有尽之言，所以有许多意，尽在不言中。推广地说，美术作品之所以美，不是只美在已表现的一部分，尤其是美在未表现而含蓄无穷的一大部分，这就是本文所谓无言之美。

（摘编自朱光潜《无言之美》）

“存形莫善于画”。造型，是绘画之所以为绘画的本质属性，中国画也不可能是例外。而所谓造型，即以客观为对象的物我交融，以形似为前提的形神兼备的形象塑造，所以，它的基础是客观形似。这就是所谓“写实”，其实质决非真实的再现复制，而是典型地拉开与真实的距离。唐宋时期的中国画，我们通常称作画家画，便是在这上面用功夫，是谓“画之本法”。要想成为画家，必须过造型这一关。

明清时期勃兴的文人画也即“写意”画，它改变了中国画的造型本质，而以笔墨为中心，对于形象的塑造，它注重的是主观和神似，而不再是客观和形似，这样的形象，区别于“写实”，又称“意象”。文人画家则又称“利家”，以区别于专业画家的“行家”，他的用功，主要也不在“画之本法”的造型，而在“画外功夫”的诗文、书法。但问题是，过不了造型关，却拥有极高“画外功夫”的偏才实在少之又少。所以，就如用钱锺书等个别人的成就，来否定高考、取消高考，大学的教育一定沦于“荒谬绝伦”一样，一旦用董其昌、石涛等个别画家的成就，来否定造型、取消造型，中国画的发展也一定沦于“荒谬绝伦”。然而，文人画家们以其居高的话语权，却恰恰以董其昌、石涛为例，否定、取消了中国画的造型原则。他们认为，从上古绘画的不能形似，到古典绘画的高度形似，再到现代绘画的不要形似，是不断进步，讲求机械的“写实”，则“直如照相机，千篇一律，人云亦云，何贵乎人邪？何重乎于艺术邪？”所以主张“写意”，就是“不与照相机争功”——不想想，难道摩托车发明后，就得取消跑步比赛？

正是在这样的背景下，民国画家普遍拙于造型，并以拙于造型为荣，工于造型为耻。所以，不仅新文化人发起“美术革命”，对文人“写意”画的风靡提出严厉的批评；传统的国画家中如张大千、谢稚柳等少数有识者，对文人“写意”画也提出了独到的见解，认为它不过是中国画传统的一部分而不是全部，是池沼而不是江海。谢稚柳明确表示：“中国画是写实的。”张大千再三告诫他的学生：“要学画家画，千万不要学丈人画。”

反观坚守文人“写意”观者，把灵活性当作原则性，把特殊性当作普遍性，以钱锺书的成功为例坚决主张取消高考，“家家石涛，人人昌硕”，固然做到了“画之本法”的“形式欠缺”，又有几个具有“画外功夫”的“精神优美”呢？至以高考不过关就意味着具有偏才，以“形式欠缺”了就意味着“精神优美”，“逸笔草草”就意味着所抒发出来的就是“胸中逸气”，并斥高考过关者为庸才，“形式周密”者为“精神不美”，为匠气，在逻辑上也是完全不能成立的。

（所选文段有删改）

信息时代更需经典阅读

信息时代为我们提供了获取信息的便利，世界变得既立体又平面。所谓立体，是指信息的丰富性使我们很容易较为全面地了解事物，使我们处在一个与世界的立体联系之中；所谓平面，是指大家处于同一个平面上，凌驾于人们之上的权成威似乎在逐渐消逝。

对于年轻人来讲，这似乎是一个无所不能的时代，也应该是一个幸福的时代。然而，事实似乎并非如此，普遍的焦虑弥漫在年轻人中间：我想知道一切，我也似乎能够知道一切，但却不知道我应该知道什么——选择的自由，使年轻的朋友们感受到了前辈们从未有过的恐慌。

网络信息与传统出版业最大的不同，是前者较少受到社会理性的的约束和过滤。网络上，越具有个人色彩的东西就越具有吸引力，越容易受到，这样的东西有很大概率是“牌气”，而不是具有深厚时代文化内容的个性。阅读上的羊群效应使人产生从众心理，很多青年人在潜意识里以为通过这种“海量”阅读就可以产生知识和智慧，就可以建立”三观”，但最终，他们得到的却只有空虚和焦虑。

这时候，基础阅读或者叫经典阅读的重要性就显现出出来了。经典是什么？经典就是永不过时的东西，它是人类按照自己的根本利益共同选择下来的文明成果，是建立正确的价值观和人生观的文化基础。

经典阅读，会在潜移默化中让人习得珍贵的思维方式和价值观念，尤其是在童年、少年和青年时期。比如读四大名著，孩子首先会为故事所吸引，而这些故事本身，都深深镌刻着中国人在漫长历史过程中总结出来的思维模式和价值观念。故事的演进，会帮助孩子们辨别正邪、建立是非观念，也使他们从中感受到扶危济困、除暴安良的快乐和坚韧不拔的精种，燃起追求正义的热情等等，而这些，都是生活的精种原动力。

如果说小说主要作用于人的思维方式，诗词则直接作用于人的情感模式。比如小儿皆可诵的《春晓》：“春眼不觉晓，处处闻啼鸟。夜来风雨声，花落知多少。”春光美好，生命美好，不能因贪睡而错过，对春光的珍爱与对生命的珍惜已拆解不开，春光与生命，时代与生活是加此让人爱恋，以至于使人们不愿放弃片刻的光阴；诗中即使含有一丝丝的伤感，也立刻在这种青春的情绪中蒸腾为对生活与生命的深情感受。爱读这些诗的孩子，一定是热爱生活的。

打个比方，经典阅读带来的思维模式和情感模式，就像是我们大脑的最佳操作系统。越早安装越好，任何时候安装都不算晚。有了这个操作系统，我们就能更从容地面对海量的信息，摆脱喧哗和浮躁，消除恐惧和焦虑，在令人眼花缭乱的世界里沉静下来，知道哪些是要选择的，哪些是可以忽略的，世界因此会变得更加真实和有意义。

（选自《人民日报》）